Monstruos de Papel

Hace algún tiempo atrás, tal vez dias o tal vez meses tenía ganas de escribir este post. La razón exacta no la sé porque va más allá de eso aunque hay un móvil que conozco y de sobra, tiene nombre: Francisco y apellido: Hermoza y un aka medio raro que nunca descifraré pero es Maladjusted25.

A él lo conocí por razones del destino o porque los escritores estamos prestos a encontrarnos más allá de artículos, libros, revistas, ferias o bares bohemios con olor a nicotina, cerveza y perfumes baratos y fue así como a través de tweets, e-mails y concursos de improvisación literaria un día de abril llega a mi bandeja de entrada un cuento que me cautivó de principio a fin llamado: Dermis el cual decía algo así:

Ven, deja que te sirva un poco más de vino. Disculpa el fuerte olor a cebolla.

¿Tiene algo de malo querer ser fino?. No lo creo, ¿cierto?. Yo solo quiero tener lo que todos tienen: una casa elegante, cosas bonitas. Mira ese macetero. Yo lo hice, ¿sabías? Una vez que conoces el proceso, es bastante fácil. Y la piel de estos muebles. ¿Tienes alguna idea de lo endiabladamente difícil que fue conseguirla?. Un real infierno, y es que las últimas chicas tenían la piel tan oscura.

¿Un poco más de vino? ¿No? Ah cierto, el resultado de tu test de embarazo. Igual el químico ya debería estar funcionando.

No me mires con esa cara, querida. Sabes tan bien como yo lo que pasa aquí. Lo vi en tus ojos cuando te diste cuenta que mi mesa del café está apoyada sobre un par de tóraxes, o que el mueble en el que nos sentamos tiene un tatuaje tribal en uno de sus cojines.

Me imagino que tienes mucho que decirme. Pero no te esfuerces, no maltrates esa linda cara tuya. Tengo toda la noche pensando en la linda pantalla de lámpara que voy a hacerme con ella.

Es que tu piel es tan fina y no tiene nada de malo ser fino, ¿no querida?.

Bien, déjame ir por mi hacha.

Recuerdo que desde la primera vez que lo leí me pareció increíble por la narrativa tan sórdida, oscura, digna de cualquier película gore porque Francisco escribe acerca de eso, de visceralidades, de submundos, de urbes, de asesinos, de personas que están jodidas, de pasiones y amores malos aunque en el fondo resultan ser buenos.

Debo confesar que a veces me cuesta entender cada una de sus líneas pero he descubierto que todo depende del mood en el que me encuentre ya que para mi cada uno de sus relatos son como un trago amargo que sin pensarlo al final de tomarlo y digerirlo me deja con ganas de querer más y puedo releerlas varias veces, casi al punto de memorizar algunas como las de la página 73 de su primer libro llamado “Historia de Perdedores” que dicen: -”Hay cosas que se llevan por encima queridísima. La clase de cosas que no necesitas conocer de la persona para saber. Yo soy experto en eso, porque me ayuda muchísimo en mi obra. Lo siento en los huesos, como si fuera un sexto sentido” -, una frase exacta que resume todo lo que este escritor lleva bajo la dermis: sinónimos, antónimos, verbos y adjetivos que se conjugan y conviven a la perfección para que él nos entregue textos cautivantes de principio a fin.

Un nombre: Agustina Guerrero, una web: www.guerreroagustina.blogspot.com, una frase: - “Dibujo en la calle, dibujo en el trabajo, dibujo en el baño, dibujo comiendo, dibujo durmiendo. Dibujo porque lo disfruto” -, 9 imágenes que resumen mi adicción ante esta ilustradora que es simplemente genial.

Finalmente, sólo puedo decir que desde hace algunos meses esta web además del FanPage se han convertido en mis favoritas porque están llenas de situaciones cotidianas como la casa, el novio, los amigos, los pendientes las cuales pasan todos los días y peor si te tocó nacer chica. Simplemente, todo lo que publican en ambas de una manera periódica es absolutamente genial y te deja esa sensación de querer seguir viendo y leyendo más y más aventuras de ese personaje tan particular.

Haré una nueva confesión, Wikipedia es sin saberlo, mi máximo aliado cuando de postear o investigar cosas se trata. Hace algunos meses atrás encontré una serie de fotografías arquitectónicas increíbles y revisando el blog me di cuenta que no había posteado algo parecido o acerca de ese tema así que recurrí a la web en mención y encontré mucha información.

William Morris, fundador de Arts and Crafts dice: - “La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana: No podemos sustraernos a ella mientras formemos parte de la civilización, porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en la superficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el puro desierto”. 

Bruno Zevi, uno de los arquitectos historiadores mas importantes del medio opina: – “La arquitectura no deriva de una suma de longitudes, anchuras y alturas de los elementos constructivos que envuelven el espacio, sino dimana propiamente del vacío, del espacio envuelto, del espacio interior, en el cual los hombres viven y se mueven”.

Leon Battista Alberti, secretario personal de tres Papas, humanista, arquitecto, matemático y poeta italiano concluyó: – “El arquitecto será aquel que con un método y un procedimiento determinados y dignos de admiración haya estudiado el modo de proyectar en teoría y también de llevar a cabo en la práctica cualquier obra que, a partir del desplazamiento de los pesos y la unión y el ensamble de los cuerpos, se adecue, de una forma hermosa, a las necesidades más propias de los seres humanos”.

Eugène Viollet-le-Duc, arquitecto, arqueólogo y escritor francés escribió lo siguiente para el Dictionnaire Raisonnée: – “La arquitectura es el arte de construir. Se compone de dos partes, la teoría y la práctica. La teoría comprende: el arte propiamente dicho, las reglas sugeridas por el gusto, derivadas de la tradición, y la ciencia, que se funda sobre fórmulas constantes y absolutas. La práctica es la aplicación de la teoría a las necesidades; es la práctica la que pliega el arte y la ciencia a la naturaleza de los materiales, al clima, a las costumbres de una época, a las necesidades de un periodo”.

Louis Kahn, arquitecto y expositor mencionó: – “Ante todo debo decir que la arquitectura no existe. Existe una obra de arquitectura. Y una obra de arquitectura es una oferta a la arquitectura en la esperanza de que ésta obra pueda convertirse en parte del tesoro de la arquitectura. No todos los edificios son arquitectura”.

Y es justamente en ese aspecto en donde aparecen los fotógrafos arquitectónicos, como Simon Gardiner quien va por el mundo tomándole fotos a elementos urbanos, edificios, ciudades bajo la técnica del Vortograph, una forma abstracta de la fotografía que crea repeticiones a modo de caleidoscopio a través de una disposición de tres espejos logrando resultados increíbles.

Y como él mismo explica sus imágenes: - “I have always been drawn to architecture, being seduced by complex structures for a long time, going back to my time as a Fine Art student. It wasn’t until 2010 when I visited New York City that I realized what potential I could tap into regarding my own photography.  As a street photographer who fuses the street with a cinematic feel, the city and its architecture just blew me away. Recently I have just discovered the work of Kawahara Kazuhiko a Japanese Architect and photographer along with the Vortograph photography movement (1917).  Like me Kawahara Kazuhiko uses architecture and the city as a source of inspiration for his kaleidoscopic images”.

Finalmente, seamos bienvenidos al comienzo de un viaje interesante hacia la fotografía deconstructivisma, capaz de mover hasta los cimientos más duros con tal de darnos las mejores tomas además de romper todas las reglas impuestas por Hipódamo de Mileto.

Hablemos del Arte Figurativo o Figurativismo, una corriente que busca la representación de imágenes reconocibles a través de sus figuras el cual no siempre tiene que ser realista ya que éste solo busca representar formas verosímiles, distorsionándolas sutilmente o intensificando alguno de sus aspectos.

Asimismo, existen dos tipos de figuración, la realista y la no realista. La primera representa de una manera detallada la apariencia externa de objetos, personas, lugares tratando de imitar sus rasgos y tamaños mientras que la segunda representa de una manera fantasiosa, subjetiva y deforme los mismos elementos mencionados anteriormente.

Buscando referencias acerca de este estilo que se está poniendo muy de moda en éstos días aparece Mónica Cook (www.monicacookart.com), una artista americana quien pinta autorretratos un poco autobiográficos en donde podemos ver una especie de evolución personal en cada imagen evocando emociones e ideas a través de la belleza y la repulsión que pueden transmitir sus imágenes, recreando la relación entre alimentos, piel y mente.

Finalmente, esta artista destaca a las mujeres como protagonistas de cada uno de los mundos surrealistas que nos presenta buscando que el espectador sea el único intérprete, Como describiría ella su proceso creativo en una de sus últimas entrevistas: “Después de muchos años de sentirme limitada a pintar autorretratos, me sorprendí a mi misma tratando de memorizar otras características, como la forma de algunas manos, o el color alrededor de algunos ojos, para traerlos a mis retratos en el estudio. Con el tiempo me había cansado de las solitarias pinturas de mi misma y de las limitadas poses que tenía para pintar la vida a través del espejo, así que empecé a utilizar fotografías como referencias. Al igual que a muchos artistas, me gusta trabajar sola, sentirme cómoda con el uso de una fotografía como referencia que hacía posible pintar a otros sin las distracciones de tener un modelo en el estudio”.

Hablemos de los 4 elementos que mueven la naturaleza. La tierra simboliza lo sólido, el agua lo líquido, el aire el gas y el fuego el plasma los cuales datan de tiempos presocráticos (Siglo VII a. C) y perduraron a través de la Edad Media hasta el Renacimiento influyendo de una manera muy rauda y profunda en la cultura y pensamiento europeo. En la actualidad, son muy usados para definir y diferenciar los 12 signos del zodiaco, lo cual explicaré a continuación.

El aire es un elemento gaseoso, impalpable que fecundará todas las materias que toque, pero de una forma muy sutil y espiritual. Es el alma invisible de todo ente. Los signos que pertenecen a este elemento son Géminis, Libra y Acuario quienes destacan por facultades intelectuales y buscan el estímulo mental y sienten la necesidad de comunicarse con su entorno. Prefieren la compañía de otros, tienen muchas ideas y son capaces de pensar de modo abstracto. Finalmente, su manera de proceder suele ser libre de emociones, cosa que les ayuda a juzgar objetivamente, pero tienden a ser algo superficiales y a sobrestimar el pensamiento científico.

El agua es un elemento líquido, inestable, receptivo y disolvente el agua aparece en circulación, empapa y fecunda. Es fuente de vida, de difusión de fuerzas vitales. Cáncer, Escorpio y Piscis simbolizan un énfasis en emociones y los sentimientos, saben entregarse, confían en su intuición y siempre están dispuestos a ayudar. Les fascina explorar rincones escondidos de su propia psique y la de otros. A veces, se pierden tanto en su mundo que pueden volverse caprichosos, padecer de ansiedades y sufrir depresiones.

El fuego simboliza a 3 signos los cuales tienen sus propiedades y carácter bien definidos como Aries, Leo y Sagitario quienes representan un temperamento extrovertido y poseen una sana autoconfianza y tienen, por lo general, un buen sentido del humor. Necesitan mucha independencia y se proponen metas altas sin embargo son impacientes, egoístas e insensibles.

La tierra es dura y blanda al mismo tiempo, pero presenta siempre una resistencia y representa a Tauro, Virgo y Capricornio signos poseedores de un temperamento más tranquilo e introvertido quienes piensan de manera práctica, buscan la seguridad material, tienen paciencia, pueden soportar privaciones además de ser cautelosos, disciplinados, responsables y saben utilizar el mundo material. A veces, les falta algo de fantasía, ya que son tan realistas que creen solamente lo que ven.

Y es así en ellos en donde Tati Suárez (www.tatisuarez.com), una artista americana de estilo muy surrealista quien se inspiró en estos 4 elementos para realizar una serie de ilustraciones con toques góticos que salen completamente de lo convencional.

El estilo de esta artista es distintivo y encantador, mujeres con ojos grandes y expresivos que tienen miradas infantiles pero insinúan mucha sensualidad son las protagonistas de todos sus lienzos e ilustraciones que arraigan de una manera tácita todo ese misticismo que ronda sus raíces latinas como la astrología, animales exóticos, plantas, flores y colores tierra. Simplemente geniales.

Hoy amanecí triste, extrañando mucho a alguien que vive un poco lejos de mi, estuve dando vueltas toda la mañana en mi cama y en sofá marrón de un cuarto vacío de mi departamento, estuve posteando en Twitter y escuchando canciones deprimentes en YouTube cuando de pronto, decidí meterme a Facebook y me sorprendí al ver que uno de mis amigos había estado citando a un poeta totalmente desconocido para mis lentes, mis ojos, mi cabeza y mi piel. Su nombre era Jesús Aguado así que con todas las ganas del mundo y los sentidos comencé a leerlo atentamente topándome con frases increíbles.

Tus palabras

“Tus palabras: me envuelven en una

placenta y me colocan delicadamente

en tu interior para gestarme.

Me trasladan, las traslado, vamos

abriendo surcos desde dentro hacia

afuera.

Una flecha que viaja por el interior de

una diana: para ella acertar consiste en

encontrar la salida (y sólo tiene una

oportunidad, un tiro): para ella la diana

es un laberinto. Así que finge dormirse

hasta que la salida, que coincide con el

centro, pasa distraída por su lado.

Entonces sí: se alza, se tensa y le dispara

por la espalda.

Todo recién nacido lleva tatuado un

laberinto y una diana que la vida se

encargará de ir haciendo visibles trazo a

trazo.

Vivir es reparar los efectos de esa

emboscada original que supuso la

muerte del centro, es hacerle el boca a

boca al centro hasta que vuelva a

respirar. Pero el centro no es Dios (el

centro no es el Centro) sino tú, yo,

cualquiera de nosotros.

Cuando te tanteo en la oscuridad mis

manos recorren las paredes del

laberinto. Y el modo en el que tus

gemidos rebotan, se amplifican o se

duermen por sus corredores me enseña

las dimensiones y el dibujo del

laberinto.

Cuando me lames en la oscuridad una

diana se pone a rodar cadera abajo, un

blanco en movimiento al que sólo

puede acertar una flecha perfectamente

inmóvil.

Tus palabras son un líquido cálido: al

bucearlas me duermo.

Al hablar desenrollas los caminos del

mundo para que yo los explore.

Cuando callas los vuelves a enrollar,

pero queda una tenue huella de cada

uno de ellos gracias a la cual siempre

puedo reconstruir algunos.

Me has enseñado a ser peligroso para

mí mismo y a ser inofensivo para los

demás.

Después de muchos abrazos no somos

una pareja sino un atlas. Si alguien

quiere saber dónde se encuentra o hacia

dónde queda el lugar al que planea

viajar, sólo tiene que abrirnos y poner

un dedo sobre el punto de destino.

Si no fuera por lo que dices de mí, y

porque me llevas en tu interior como

una madre al feto, mi laberinto estaría

en ruinas: cascotes en vez de muros,

montones de piedras en vez de

elegantes revueltas, ratas comedoras de

ojos en vez de minotauros, polvo en

suspensión en vez de corrientes de aire

fresco filtrándose por las grietas.

El cordón umbilical: el hilo de la

madeja.

Dejarse nacer en otro es un acto de fe,

una locura. Y también: un pacto con el

silencio que fuimos para que no

irrumpa en el silencio que seremos.

Sólo soy una sombra proyectada en la

pared: existo porque tú eres cuerpo y

bombilla. Existo porque nada se

interpone entre nosotros.

Tus fluidos me escriben, me dibujan el

modo de salir. Dibujo que he de beber

para que tenga sentido”.

***

No estés triste, mi amor

“No estés triste, mi amor,

y si lo estás,

que tu tristeza sea un modo de vengarte

de Dios y de las flores, de la alegría inútil

que debe ser la vida según ellos,

y no estés triste nunca

por la cosas que pasan o no pasan,

sino solo por esto: porque contempla la tristeza

desde lejos a Dios y a las flores y al tiempo

y nos lleva al lugar donde amar es posible”.

***

No lamento tu ausencia, no me alegro tampoco

“No lamento tu ausencia, no me alegro tampoco:

esta paz de tenerte como siempre en las manos

es parte de mi amor.

de este nuevo sentimiento que has puesto en mis sentidos,

y no es que estés muy lejos,

es que madura lento lo que más nos importa

y el tiempo y el espacio son frutas delicadas”.

***

Leerlo es sumergirte en un mundo lleno de pasiones en donde las palabras van y vienen y nos traen historias de amor, reencuentros, viajes, el sentido de la vida y el tiempo. Como diría él en alguna de sus entrevistas: - “Yo soy y me interesa la poesía de la experiencia; y yo soy y me interesa la poesía del conocimiento, y la del silencio, y la mística, y la pop, y la gamberra, y la beat. Me interesa todo y todo se va incorporando a mi propia obra” -.

Confesar que soy fanática de Alicia en el País de las Maravillas sería redundante, es un cuento increíble, lleno de una narrativa que sucede en un mundo disparatado, lleno de situaciones absurdas, de metáforas y metamorfosis, de paisajes increíbles y personajes llenos de locura lo cual los vuelve inolvidables.

Dice la historia que en 1865, Charles Dogson aka Lewis Carroll, escribe este cuento para la niña Alicia Liddell sin pensar que este libro sería un bestseller que ha pasado de generación en generación llenando a sus lectores de sueños y fantasías no sólo porque los atrapa por las ingeniosas situaciones que ocurren, sino que por medio de la ironía y observación de la sociedad, el autor los seduce y los atrapa en cada una de las líneas que construyen el cuento.

Y es así como en la búsqueda de imágenes para este post me topé con Andrea Jen, una ilustradora argentina quien fue la encargada de darle vida a uno de los tantos libros que circulan con esta historia.

Imágenes llenas de color y movimiento que hacen de esta historia una locura gráfica y narrativa, tal como diría Alicia: – “What is the use of a book, without pictures or conversations?” – y creo que tiene toda la razón.

Hace algunos días atrás encontré imágenes de la obra de un artista llamado Takato Yamamoto quien realiza cada una de éstas a través del Ukiyo-e conocido también como pinturas del mundo flotante o estampa japonesa.

Esta corriente es un género de los grabados realizados mediante la xilografía que se producía en Japón entre los siglos XVII y XX y tuvo gran auge en los centros urbanos de Edo, Tokio, Osaka y Kioto haciendo referencia de manera irónica al plano terrenal de la muerte y renacimiento en el que se basa el budismo.

Asimismo, esta forma alcanzó mucha popularidad a mitad del siglo XVII con los trabajos de Hishikawa Moronubo y Suzuki Haranobu volviéndose accesible dado que podría ser producido masivamente siendo adquirido por habitantes que no tenían el dinero suficiente para comprar pinturas originales.

Temas recurrentes como la vida citadina, entretenimiento, cortesanas, luchadores de sumo, actores populares, retratos paisajistas, temas políticos y escenas de sexo conocidas como shunga.

Y es justamente en ese plano sexual en donde aparece Yamamoto puesto que nos muestra intrigantes contextos eróticos y anormales los cuales contrastan con fondos negros, gama de blancos, azules y rojos los cuales colorean escenarios en donde los personajes, en su mayoría mujeres, se debaten entre la vida y la muerte flotando en un limbo que narra la historia que el espectador quiera escuchar.

Asimismo, la simbología como flores, calaveras, insectos, genitales, pedofilia y demás aberraciones expresan el desprecio humano que siente para con la sociedad en la cual nació expresando o sintiendo una especie de liberación o realizando una protesta gráfica muy interesante.

Finalmente, sólo me queda decir que al observar cada una de las imágenes presentadas, siento gran empatía con sus trabajo ya que como leí en uno de sus varios artículos que circulan por la web: - “Lo grotesco emerge en el peor momento y se convierte en un síntoma de belleza en la sociedad”.

Amanda Mocci escribe un artículo acerca de sus ilustraciones que dice así: “The people of the metro and their thoughts is an alphabet book that I completed in my last semester of University. On a school day it would take me 3 hours to go and come back, I usually draw or brainstorm during that time and that is how I fell upon my idea. I would carry my sketchbook with me everyday and draw people I find interesting. I would then associate the people with adjectives, after that I would come up with an imaginative phrase that goes with their appearance and what they might be thinking at that moment. The drawing style is quick and simple, I wantend to evoke movement through still figures by using smudges and blotches of color. Also, the metro is not a very clean place so I would sometimes put my drawings on the floor and walk over them to give them that extra distress”.

Las ilustraciones son increíbles, todas están hechas con lápices, gouache, pasteles, mylar y melinex las cuales además de reflejar de una manera gráfica muchas de las situaciones que pasan cuando usamos transporte público tienen onda esa urbana y citadina además de verse como instantes efímeros debido a la coloración y trazo tal cual pasa en cada una de éstas cuando ocurren en la realidad, como si la técnica utilizada fuera incidental.

Una frase: - “I was never a big fan of Moleskine notebooks. They always seemed so damn precious and overpriced with their pretentious history printed inside and that fancy-dan knicker elastic to keep your place, but someone gave me one for nothing a couple of years ago, and since it was free I used it, a lot, and I have to admit I ended up liking it. Almost enough to actually pay for the next one” – y muchas imágenes y creatividad son los componentes de una sesión de la sesión de fotos que David Fullarton (www.davidfullarton) le realizó a una libreta Moleskine algún tiempo atrás.

Dense una vuelta por la web de esta artista genial para que se sigan sorprendiendo con collages, ilustraciones a mano alzada y textos de lo más divertidos y originales. 100% recomendable.